10
La Camarista
Narrar la vida de una camarista de un hotel de la Ciudad de México tiene muchos puntos en contra si se quiere hacer cine: su historia no atrae a grandes públicos, ya se sabe, pero además la directora (Lila Avilés) decidió no dotar a este personaje de argumentos narrativos explícitos, la pasividad parece ser la constante. Para colmo, es inevitable crear paralelismos con Roma de Alfonso Cuarón, que hace un año sorprendió al visibilizar a una mujer del servicio doméstico.
Eve arregla habitaciones pero también hurga en ellas: revisa la basura, se sienta en la cama, mira por las ventanas. Pasa la mayor parte del día en su lugar de trabajo en donde parece convivir más con huéspedes fortuitos que con sus compañeros. Su sueño es simple pero suficiente para sobrellevar esa rutina: quiere que la elijan para limpiar un piso en especial de ese hotel.
La apuesta de la joven directora nos recuerda, como la de Cuarón, que en un país de desigualdades como México nunca está de más dar voz a quienes no tienen vitrinas. La realizadora lo hace, a diferencia del director mexicano, con un retrato menos romantizado de la vida de la protagonista. Eve está perdida en un mundo casi Sartreano en el que todos sus compañeros parecen estar atrapados en un sinsentido.
Avilés logra hacer un filme que explora con dignidad y sin maniqueo, aunque sí lo suficiente para despertar interés por esas personas que conviven con nosotros, pero no vemos.
CITA
Sin los grandes nombres del cine y con un personaje que se desea le vaya bien después de tanta discriminación, Gabriela Cartol carga con el protagónico que muestra las carencias laborales y Teresa Sánchez a la abusiva del trabajo que, juntas, son dinamita en la pantalla. Lila Avilés, la directora, tiene ahora la misión de superarse a sí misma”.César Huerta, periodista
Protagonistas:
Dirección: Lila Avilés
Guión: Juan Márquez
Datos técnicos:
Género: Drama.
Duración: 102 minutos.
Locación: Ciudad de México.
PREMIOS:
• Premio Ariel a la Mejor Ópera Prima
Curiosidades:
La directora estuvo obsesionada con las mujeres que asean los cuartos de hotel. Platicó con varias, escribió primero una obra de teatro y luego logró su ópera prima.
A la cineasta le emociona ver cómo tienden la cama, las toallas y como ponen un sello personal. Ella suele dejar siempre una nota de agradecimiento.
Uno de los temas de la cinta es sentirse frustrado en un trabajo, la cineasta dice que lo vivió cuando fue maquillista, asistente de dirección y producción.
Avilés gastó todos sus ahorros para este filme, al terminar el rodaje tenía en su cuenta bancaria unos 5 mil pesos.
TRAILER:
09
Había una vez en Hollywood
En la silla de madera de un pueblo vaquero está Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), un actor frustrado que no logra hacer su propia “mejor interpretación”; en esta locación no está con él su fiel acompañante, Cliff Booth (Brad Pitt), quien con frecuencia hace las escenas de riesgo que él prefiere no interpretar.
Ambos son grandes de la época de Oro de Hollywood. Una noche, Rick descubre que es vecino del consolidado director Roman Polański y su encantadora esposa, Sharon Tate. Esta y otras curiosidades de la época son parte del relato casi confesional del director Quentin Tarantino en Había una vez en Hollywood.
La cinta trata de un hecho histórico: los asesinatos perpetrados por la familia Manson. Para encaminar la narrativa, Tarantino recurre a personajes ficticios que se desenvuelven en la ciudad de Los Ángeles durante 1969.
Una película que hace una introspección a las memorias del director a través de elementos clásicos de la época como un cinemark, elegantes autos antiguos y grúas de filmación; la vida detrás de las grandes producciones de cine que incluye los egos y las inseguridades, así como los lujos e incluso la corrupción.
“Esta no es la típica historia tarantinesca de venganza o criminales, es un bien estructurado repaso a las tempranas influencias de un director cuyo aprendizaje fue marcado por series y películas western”, opina Iván Elvira, crítico de cine.
A pesar de las casi tres horas de lento avance, el estilo del director sobrecarga la historia en la escena central: la narrativa se corta de forma abrupta para dar paso a la firma sangrienta del reconocido cineasta.
CITA
La penúltima película de Quentin Tarantino es la más personal y madura de su carrera. Si bien, todos sus trabajos son homenajes a diversos subgéneros, ésta representa el lado nostálgico del director. Esa parte donde uno hace memoria y recuerda con cariño la cultura popular de su infancia, una que Tarantino vivió a finales de los 60 cuando la época dorada de un Hollywood de westerns y star-system llegaba a su fin”.Iván Elvira, crítico de cine
Actores:
Dirección: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Datos técnicos:
Género: Comedia, drama.
Duración: 161 minutos.
Locación: California.
PREMIOS:
• Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York al Mejor Guión
Curiosidades:
Margot Robbie , quien interpreta a Sharon Tate, usa algunas de las joyas reales de Sharon Tate. La hermana de Sharon Tate, Debra, le dio a Robbie las joyas para usar.
La secuencia de la fiesta en la Mansión Playboy fue filmada allí, ya que Tarantino fue invitado de Hugh Hefner en varias ocasiones.
Tarantino ha dicho que trabajó en el guión durante cinco años.
Esta es la primera película de Leonardo DiCaprio en cuatro años desde que ganó su primer Premio de la Academia por El renacido (2015).
Recibió una ovación de pie de siete minutos en el estreno de Cannes.
TRAILER:
08
Nosotros
Una pareja decide llevar a sus hijos a un descanso vacacional, cuando descubren que alguien afuera de su casa los observa: al abrir la puerta, cuatro individuos idénticos a ellos, pero con mirada más profunda y segura, quieren entrar.
El planteamiento de Nosotros va más allá: personas que huyen de sus propias sombras, lo que pone en la mesa otros aspectos sociales como la segregación, el desinterés y la violencia.
“Es una cinta novedosa que transforma un lugar común de la película de terror y lo convierte en algo más, en una película de tesis sobre lo que es la identidad y las relaciones humanas así como el lugar en el mundo que pudieran tener los personajes olvidados”, dice José Felipe Coria, crítico de cine de EL UNIVERSAL.
El ambiente de tensión y la ansiedad que esta cinta genera en el espectador se incrementa conforme avanza la historia, que aprovecha la iluminación para mantener el suspenso en un panorama tétrico que invade la casa, la playa y hasta una feria en California.
Nosotros apuesta por los submundos y el uso de los recursos religiosos que se suman a lo siniestro, una especie de paradoja que establece el bien contra el mal.
CITA
Esta película tiene una mezcla de conceptos que la hacen sobresalir por el manejo de una estructura dramática que transporta hacia una tesis donde se presenta el racismo, la división de la sociedad, la doble personalidad y la paranoia”.José Felipe Coria. Crítico de cine
Actores:
Dirección: Jordan Peele
Guión: Jordan Peele
Datos técnicos:
Género: Terror, misterio, thriller.
Duración: 116 minutos.
Locación: California.
PREMIOS:
• Mejor filme importado por Bandung Film Festival
• Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la Mejor Actriz (Lupita Nyong´o)
Curiosidades:
El versículo de la Biblia que aparece continuamente en la película (Jeremías 11:11) dice: "Por lo tanto, así dice el Señor: He aquí, traeré sobre ellos el mal, del cual no podrán escapar; y aunque llorarán a mí, No les haré caso.
Durante la filmación en el paseo marítimo de la playa de Santa Cruz, los juegos se llenaron de muñecos, luego se utilizó CGI para crear personas en movimiento.
Entre los tatuajes de Josh Tyler hay un par de cuernos, uno en cada brazo, una referencia a la película anterior de Jordan Peele , Déjame salir (2017).
El nombre del hijo, Jason, es una referencia al villano del viernes 13, Jason, quien también usa una máscara.
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07
Entre navajas y secretos
Nadie se explica por qué al final de su fiesta de cumpleaños, el millonario Harlan Thrombey aparece muerto en su habitación.
El entretenido reto de resolver un misterio que a muchos apasiona se vuelve juguetón en esta cinta, muy al estilo policial de las novelas de Agatha Christie, creadora del género, sin embargo esta historia tiene una característica particular: pocos minutos después del comienzo, se revela al culpable.
La pregunta entonces es: ¿por qué la película no acaba o por qué el renombrado e infalible detective Benoit Blanc no descubre de inmediato el secreto bien elaborado detrás de este asesinato?
Esta cinta invita así al espectador para que se él quien encuentra a otro culpable, no necesariamente el asesino.
“El filme introduce temas como la codicia, las relaciones interfamiliares, los conceptos políticos que están presentes en la sociedad estadounidense contemporánea y en este cóctel funciona el manejo de cada elemento”, considera José Felipe Coria, crítico de cine de EL UNIVERSAL.
Aunque es un filme que combina elementos clásicos como una extravagante mansión, una enorme herencia y una misteriosa muerte, la característica que salva a Entre Navajas y secretos de ser un drama policial común es la conjunción del reparto, que junta actores de renombre interpretando papeles en los que nunca antes han experimentado.
“Vemos a actores como Daniel Craig, Toni Collette y Chris Evans realizar personajes que nunca les habíamos visto. Prueba de que el cine de calidad no está peleado con la diversión”, agrega el experto en cine Ernesto Sánchez.
El divertido experimento, que dura poco más de dos horas, sirve además como ingeniosa analogía de la migración en Estados Unidos.
CITA
“Hay varias razones para considerar lo nuevo de Rian Johnson dentro de los tops del año: su gran reparto es aprovechado al máximo, contiene ingeniosas muestras de admiración al género de misterio de Agatha Christie y Alfred Hitchcock, y el humor es efectivo a lo largo de sus dos horas. En resumen, es la película más entretenida en años”.Iván Elvira. Crítico de cine.
Protagonistas:
Dirección: Rian Johnson
Guión: Rian Johnson
Datos técnicos:
Género: Comedia, crimen, drama.
Duración: 130 minutos.
Locación: Massachusetts, Estados Unidos.
PREMIOS:
• Premio Satellite al Mejor Reparto en Conjunto (por la International Press Academy)
Curiosidades:
A pesar de interpretar a su madre en la película, K Callan es en realidad seis años más joven que Christopher Plummer.
Joseph Gordon-Levitt aparece en los créditos de la película como interpretando al detective Hardrock. Gordon-Levitt ha aparecido en cameos prácticamente indivisibles en las cinco películas que Rian Johnson ha dirigido.
Emmet Walsh reemplazó a Ricky Jay, quien murió el 24 de noviembre de 2018, durante la producción. Se puede ver una foto de Jay durante unos segundos justo antes de que Walsh aparezca por primera vez en la cámara.
Tanto el título en inglés (Knives Out) como el título provisional (Morning Bell) son temas del álbum de Radiohead, Amnesiac (2001).
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06
Dolor y Gloria
Salvador Mallo se siente mal, es un director de cine en declive: su cuerpo en claro deterioro físico pareciera ser el preámbulo de un final que no hubiese querido para la película de su vida.
Dolor y gloria es una clara analogía de su autor, Pedro Almodóvar. El manchego aporta su paleta de colores literales y simbólicos: la poderosa visión que ha conquistado generaciones y un poco más: un revelador autorretrato que confiere al espectador el reto de desvelar sus confesiones.
Están ahí, bajo una narrativa irregular que guarda una sorpresa para el final, el primer deseo, las primeras lecturas, la madre que comprende y la que no, el primer amor adulto, el vacío que deviene con la edad. La búsqueda constante de sentido. Las dudas nunca resueltas.
“Es la cinta más personal pero también elegante y sutil de Pedro Almodóvar”, considera Alejandra Musi, columnista de EL UNIVERSAL. “Él mismo decía que estaba muy orgulloso de cómo logró plasmar momentos tan complejos como el primer impulso sexual de su niñez sin perder esa delicadeza”.
Esta podría ser el epítome actoral de Antonio Banderas quien destaca por haberse dejado moldear por el director sin estridencias, bajo el difícil reto de la sutileza: “Un trabajo introspectivo que se siente incluso superior al de Joaquin Phoenix”, apuesta el experto cinematográfico Ernesto Sánchez.
Dolor y gloria tiene un justo lugar dentro de las apuestas del 2019, quizá sólo nublado por la bruma que el propio director añade a sus proyectos en suma romantizados: la visión erotizada del primer amor incluye un encuentro de un infante con el erotismo, pero visto desde el filtro de la adultez.
No toda la cinta es adulta, a veces pareciera que basta una motivación infantil para cambiarlo todo.
CITA
“Dolor y gloria muestra al artista en todas sus dimensiones: con sus miedos, sus carencias, sus logros y remordimientos. Un filme protagonizado por Antonio Banderas quién se dejó moldear al cien por cien por el director a quién estaba interpretando y cuyo resultado es uno de los retratos más interesantes y humanos que existen de un cineasta”.Alejandra Musi. Crítica de cine.
Protagonistas:
Dirección: Pedro Almodóvar
Datos técnicos:
Género: Drama.
Duración: 112 minutos.
Locación: Valencia, Madrid.
PREMIOS:
• Premio del Festival de Cannes al Mejor Actor (Antonio Banderas)
• Premio del Cine Europeo al Mejor Actor Europeo (Antonio Banderas)
• Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York al Mejor Actor (Antonio Banderas)
• Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles al Mejor Actor (Antonio Banderas)
• Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles a la mejor película (Pedro Almodóvar)
• Premio del Cine Europeo al Mejor Diseñador de Producción (Antxon Gómez)
Curiosidades:
Julieta Serrano y Antonio Banderas ya interpretaron a madre e hijo, más de 30 años antes, en otras dos películas de Pedro Almodóvar: Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) y Matador (1986).
Es la octava colaboración de Pedro Almodóvar con Antonio Banderas y su sexta con Penélope Cruz.
En esta película autorreferencial que resume la vida temprana y posterior de su director, "Salvador Mallo" es casi un anagrama de "Pedro Almodóvar".
Es el debut en el cine de la ganadora del Grammy Latino, Rosalía, quien interpreta a una de las amigas de Penélope Cruz durante la escena del río, al inicio.
Como de costumbre, Agustín Almodóvar, hermano de Pedro y productor de la película, hace un cameo. En este caso, como maestro y sacerdote en un flashback.
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05
Midsommar
Los primeros minutos de Midsommar son toda una oscura artillería emocional y sensorial. Dani es una chica preocupada por la inestabilidad emocional de su hermana a quien busca contactar tras un mensaje suicida sin recibir respuesta.
La hermana se lleva todo de Dani menos su llanto: sus sollozos se transformarán en gritos desesperados que se confundirán con otros sonidos en un peculiar marco visual: un mundo sombrío que proyecta el sufrimiento de la protagonista; un novio que, confundido, parece obligado a apoyarla; y una nevada que deja atrás la escena como si avecinara tiempos difíciles.
La sorpresa viene después, Ari Aster, el realizador, hace de esta película una experiencia opuesta a la inicial. Con grandes praderas con cielo azul y luz radiante, veneradas por personas amigables que se rinden ante la naturaleza y las experiencias alucinógenas que parecen emanar de ella: el espectador será llevado a un mundo bello en lo superficial, pero tan evasivo y contemplativo que le resultará incómodo.
Midsommar, como muchas películas del género de terror (aunque pocas se le parezcan), no es para cualquiera. Es transgresiva, por momentos larga y perturbadora. La protagonista viaja a una apartada aldea sueca, en donde una secta la acoge con sus simbolismos: “Aster nos sorprende con una metáfora sobre el rechazo familiar, amistoso y amoroso de una espectacular protagonista (Florence Pugh)”, explica el experto Ernesto Sánchez.
“Ella encuentra el sentido de pertenencia y aprobación que todos buscamos en una secta en donde las cosas no son lo que los occidentales reconocemos como “normales”. ¿Y si no existe esa normalidad, sino la que a cada uno le acomode?”, cuestiona. Ari Aster regresa tras su reconocido debut (Hereditary) con este folk horror contemporáneo que hace referencia directa a clásicos como The Wicker Man, detalla el crítico Iván Elvira.
“Es un cineasta con un sello autoral bastante definido y, por ende, uno de los directores de cine más interesantes en la actualidad”, añade el experto.
CITA
El director de nuevo se concentra en las relaciones humanas rotas y el duelo, ambos sirven al terror cuya esencia no está en las convenciones del cine de género, sino en desarrollar sus temas de forma pesadillesca”.Iván Elvira. Crítico de cine
Protagonistas:
Dirección: Ari Aster
Guión: Ari Aster
Datos técnicos:
Género:Drama, terror, misterio.
Duración: 147 minutos.
Locaciones: Budapest, Hungría. Utah, Estados Unidos. New York, Estados Unidos.
Curiosidades:
Se cortaron alrededor de 30 minutos de la película debido a que fue considerado un contenido muy fuerte.
Mark muestra una fobia extrema a las garrapatas, que se basa en el miedo real de Ari Aster a los insectos y las enfermedades.
La mayor parte del diálogo sueco hablado por los nativos de Hårga no fue subtitulado en su versión original para crear una sensación de aislamiento.
A pesar de compartir el mismo título y de ser películas de terror ambientadas en Suecia, esta película no está relacionada con el clásico de culto danés Midsommer (2003).
Aunque prácticamente toda la película se muestra en la intemperie, bajo un día iluminado, no hay una sola toma directa al sol.
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04
Guasón
Guasón fue la película que más desató debates en redes sociales en 2019. De pronto, todos sacaron conclusiones de lo vivido por el protagonista Arthur Fleck, la ciudad fracturada de Gotham y, desde luego, la actuación inmejorable de Joaquin Phoenix.
La película de este antihéroe implicó una crítica social fuerte que renunció al estilo gráfico de los cómics para reinventar el estilo visual del viejo cine de realismo social, como apunta José Felipe Coria, columnista de EL UNIVERSAL.
“Es una de las películas más importantes del año porque hace algo que no había hecho ninguna película que abordara un tema similar: convierte en real a un personaje de los que normalmente son vistos como de caricatura, que no tienen sentimientos y que no tienen ninguna dimensión psicológica”.
Guasón es un personaje marginado que se hace villano no por voluntad del guionista, sino por la forma en la que está representada toda la sociedad: es una crítica a un mundo que siempre parece hacer una broma de él.
Al igual que El club de la pelea de David Fincher, Todd Phillips nos presenta una propuesta dotada de aires anarquistas y quizá sociópatas que parecen justificarse en la visión del personaje central, algo que abonó a la crítica del filme. La apuesta es osada y será recordada por ello, aunque, a diferencia del filme de 1999, ésta se debilita con un final difuso que parece bromear con el espectador.
CITA
Es una película de una crítica social muy fuerte que renuncia al estilo gráfico de los cómics y se reinventa con el estilo visual del viejo cine de realismo social”.José Felipe Coria. Crítico de cine.
Protagonistas:
Dirección: Todd Phillips
Guión: Todd Phillips, Scott Silver
Datos técnicos:
Género: Acción, drama, thriller, crime, fantasía.
Duración: 122 minutos.
Locación: Nueva York, Nueva Jersey.
PREMIOS:
• León de Oro (Festival de Venecia)
Curiosidades:
Joaquin Phoenix basó su risa en videos de personas que sufren “risa patológica”; también intentó hacer un personaje con quien nadie pudiera identificarse.
El actor considera que si bien la violencia en "Joker" es "un poco más visceral y cruda", invita a la reflexión a diferencia de Avengers en donde puedes ver morir a 40 mil personas y no sentir nada.
Joaquin perdió 24 kg .Lo que despertó en él sentimientos de insatisfacción, hambre, cierto tipo de vulnerabilidad y debilidad.
La película está destinada a comenzar una nueva era para producir películas independientes del universo DC.
Joaquin Phoenix era buen amigo del fallecido Heath Ledger, quien ganó un Oscar por su interpretación de The Joker en El caballero oscuro (2008).
Es el primer papel de Joaquin Phoenix en una película de cómics. Anteriormente rechazó el papel principal en Doctor Strange (2016), así como la oportunidad de reemplazar a Edward Norton como Bruce Banner / Hulk en Los Vengadores (2012).
Hay una teoría que apunta a que todo el filme es un sueño que refleja lo vivido en la mente del protagonista, en especial porque muchos relojes marcan la misma hora.
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03
El Irlandés
“He oído que pintas casas”, le dice un miembro de la mafia a Frank Sheeran al teléfono. La frase es una clave: este “pintor” mancha las paredes con la sangre de otros.
El Irlandés es el intento por resolver un misterio histórico llevado a la pantalla: la desaparición del dirigente sindical Jimmy Hoffa en 1975. La cinta basada en el libro biográfico del sindicalista estadounidense Frank Sheeran retrata desde sus anécdotas el panorama que se vivía alrededor de Jimmy Hoffa en los años 50.
La clandestinidad detrás de las cuestiones políticas, muertes y disturbios que caracterizan al cine de Martin Scorsese son el ingrediente principal de esta historia, que de la mano de Sheeran, hace parecer en cierto momento que cualquiera puede convertirse en un fiel sicario de la mafia.
La gran virtud de El Irlandés, además de poseer una producción impactante con recreaciones de la época como taxis, fábricas y casinos, es que también devolvió el aspecto físico de los protagonistas en su juventud. Primero reunió a los grandes personajes representantes de la mafia: Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci y los puso a atravesar décadas en tres horas y media.
“Cada minuto está perfectamente justificado en el magnum opus de Scorsese”, considera el experto Ernesto Sánchez.
El entramado da la sensación de que los “Buenos Muchachos” se reencuentran en su madurez y que Scorsese dejó atrás “La edad de la inocencia”, pues los crímenes secos se realizan al por mayor sin dejar paso a la introspección, dejando de lado los sentimentalismos, sólo en ciertos momentos se puede ver una parte humana de los protagonistas que queda reprimida cuando la labor los llama.
Es así como la historia de un hombre que pasa de ser un oficial de camioneros al único miembro no italiano de la Comisión de La Cosa Nostra, el grupo mafioso más importante de los Estados Unidos retrata el mundo de la mafia antigua y lo aterriza en la actualidad.
CITA
“Solo un cineasta puede reunir a los dos egos más grandes de Hollywood y controlarlos para que Pacino y DeNiro en actuaciones memorables después de sus terribles decisiones actorales. Y la mayor joya la reencuentra en Joe Pesci, quien sin duda ganará el Oscar a Mejor Actor de Reparto. El Irlandés no es Buenos Muchachos es Tremendos Actorazos”,Ernesto Sánchez, experto en cine.
Protagonistas:
Dirección: Martin Scorsese
Guión: Steven Zaillian
Libro: Charles Brandt
Datos técnicos:
Género: Biográfico, drama, histórico, crimen, thriller.
Duración: 209 minutos.
Locación: Florida, Nueva York, Nueva Jersey
PREMIOS:
• Premio New York Film Critics Circle al Mejor Actor de Reparto (Joe Pesci)
• Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la Mejor Película
Curiosidades:
Al Pacino dijo que, para él, esta película se asemejó mucho a lo que se hacía en los 70.
Robert De Niro quería que la película conservara el mismo título que el libro "Te escuché pintar casas".
Es la primera vez que Al Pacino trabaja con Martin Scorsese. El director temió darle las primeras instrucciones al inicio sobre que “debía actuar como alguien más joven”.
A las tres horas y treinta minutos, esta es la película más larga que Martin Scorsese ha dirigido, y la película principal más larga lanzada en más de veinte años.
Robert De Niro dijo que la película representa "asuntos pendientes" entre Martin Scorsese y él.
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02
Parásitos
Están fumigando las calles de Seúl. Ese insecticida se adentra en un sótano de un barrio marginado en donde una familia pobre, los Kim, sobreviven doblando cajas de pizzas. Todos tosen pero no desfallecen, lo que, a modo de metáfora, enmarcará una de las mejores cintas del año.
El director Bong Joon-ho es tan hábil que evita caer en convencionalismos: Parásitos no es una historia de bondadosos marginados ni de ricos malvados. Ni siquiera es un drama per se: con humor, los Kim se las ingenian para ocupar puestos de trabajo en la casa de una familia adinerada de la capital coreana, los Park.
La gracia bien colocada, con una dirección dinámica y actuaciones redondas, enmarcan como pocas veces el problema de las diferencias sociales. Parásitos es una revelación incómoda: ¿Se vale reír de los métodos que utilizan estos personajes marginados para sobresalir? ¿Quienes son los malos y los buenos de una historia en la que el principal protagonista es la desigualdad social?
“Hay dos familias, una humilde y ventajosa, otra adinerada y honesta. La primera se aprovecha de la segunda, pero, con Bong Joon-ho sobran los matices”, dice el crítico Iván Elvira. “La manera de abordar la lucha de clases y la desigualdad, temas frecuentes en la filmografía del director, es bastante particular. No se teme ser políticamente incorrecto y a la vez se plantea una inteligente crítica social”.
El realizador es tan osado que en su filme casi se puede entender el deseo de progresar a costa de todo y la frustración que lleva a los Kim a usar métodos poco convencionales. A la vez, cualquiera puede aspirar el “olor” de la desigualdad: lo único que los ricos perciben de ese mundo.
“Es una cinta que lo tiene todo: comedia, thriller, drama y un guión vertiginoso que toca con agudeza la crisis actual en el mundo de lo que pasa en las sociedades cuando unos tienen mucho y otros muy poco”, opina la columnista de EL UNIVERSAL, Alejandra Musi.
La película que ganó la Palma de Oro en Cannes se llevará seguramente más reconocimientos, en especial por su manera de bordear lo políticamente incorrecto. La obra sólo flaquea al carecer de más personajes pobres e íntegros que alejen al espectador de generalizaciones. A veces pareciera que aquí los ricos, aunque también parásitos por depender de los pobres en servicios básicos, salen siempre mejor librados.
CITA
“Es una película muy inspirada y una de las pocas, en muchos años, que se puede considerar como ‘perfecta’ porque todos los elementos funcionan: actores impecables, el concepto en la puesta en escena, el manejo de la cámara y la representación hiperrealista estética, psicológica, ética y moral sobre las relaciones humanas a través del concepto de clase y sociedad”.José Felipe Coria
Protagonistas:
Dirección: Bong Joon Ho
Guión: Juan Márquez
Datos técnicos:
Género: Comedy, drama, thriller.
Duración: 132 minutos.
Locación: Corea del sur.
PREMIOS:
• Palma de Oro (Cannes, 2019).
• Premio del Cine Independiente Británico a la Mejor Película Independiente Extranjera.
• Bandung Film Festival for Imported Film.
• Blue Dragon Film Award for Best Leading Actress (Cho Yeo Jeong).
• Blue Dragon Film Award for Best Supporting Actress (Lee Jung-eun).
• Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles al Mejor Actor (Song Kang-ho).
• Blue Dragon Film Award for Best Art Direction (Lee Ha-Jun).
• Blue Dragon Film Award for Best Director (Bong Joo-ho).
• Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles al Mejor Director (Bong Joo-ho).
• AACTA Award for Best Asian Film.
• Blue Dragon Film Award for Best Film.
• Premio New York Film Critics Circle a la Mejor Película en Idioma Extranjero.
• Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles a la Mejor Película.
Curiosidades:
La película hace varios guiños a Alfred Hitchcock: las escaleras, el voyeurismo y (la más obvia) una breve colección de este realizador afuera de la casa.
La canción que suena de fondo cuando los Kim toman posesión de la casa es "In ginocchio da te" de Gianni Morandi. En la década de 1960, Morandi era una estrella en las películas italianas de "musicarello": un género centrado en las diferencias de clases.
El director contó que al rodar la cinta en una casa muy rica de Corea, literalmente le tembló la mano al usar un bote de basura cuya tecnología ascendía su costo a 2 mil 500 dólares.
La primera canción de los créditos finales está escrita por el propio director Bong Joon Ho y cantada por el actor principal Woo-sik Choi.
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01
Historia de un matrimonio
Un filme que toma como eje el amor quizá no parezca suficiente para ser considerado entre lo mejor del año, en especial si se añade la cantidad de películas estereotipadas sobre relaciones de pareja que se realizan constantemente.
Pero Historia de un matrimonio no sólo habla de amor, sino de responsabilidad, respeto al otro, empatía y, de manera especial, conciliación. Lo hace justo en una época en que la sociedad se polariza; cuando las diferencias entre hombres y mujeres parecen oscurecer todas las coincidencias; es una apuesta valerosa y quirúrgicamente ejecutada por el realizador.
Nicole es una actriz que dejó una prometedora carrera en el cine comercial para trabajar en la compañía teatral de su esposo, Charlie, un director de teatro. Cuando él ha alcanzado reconocimiento el daño está hecho: la mujer se ha cansado de esperar y busca retomar las riendas de su vida. Ambos, lastimados, deciden divorciarse y llegar a un acuerdo sobre la custodia de su hijo.
Noah Baumbach se aleja de convencionalismos desde la estructura narrativa inicial: la historia comienza con una confesión de amor escrita por ambos en la época de ruptura. Un par de cartas que ninguno leerá pero dejará al espectador como único testigo de un acto de fe y gratitud, cuando ya no hay nada que ganar.
Ya sea juntos o por separado, Scarlett Johansson y Adam Driver brillan en cada escena con una de las actuaciones más sólidas de sus carreras, apoyadas por personajes bien construidos que ceden en donde pocos lo harían: el equilibrio es una constante del filme.
“El manejo de los personajes y la actuación es muy brillante porque pone al día todas estas temáticas que de repente quedan sepultadas por el exceso de efectos especiales: aquí es todo muy íntimo”, dice José Felipe Coria, crítico de cine de EL UNIVERSAL.
En la cinta de Baumbach habrá abogados que hacen su trabajo, los que lo entienden como un hecho doloroso y los que no; de una madre que debe parecer siempre perfecta para no ser juzgada; y de un padre que busca hasta las lágrimas no cometer los errores de su propio progenitor. Una historia que, además, se aleja del mero dramatismo con el apoyo de otros géneros (suspenso, legal, comedia y un guiño de musical).
“Esta es una cinta que no juzga a los personajes y que te permite ponerte en ambos lados de la historia”, destaca la crítica Alejandra Musi.
“Hemos visto muchas historias de matrimonios que se disuelven pero aquí se logra retratar con una perfección dolorosa el cómo, a pesar de que todo se acabe, hay vínculos que siempre estarán ahí”.
CITA
Creo que es una historia muy importante por la forma en que aborda lo que es un tema que parece muy sencillo: las relaciones humanas, lo que significa la ruptura entre una pareja y la forma en que la plantea desde lo que podemos decir que es una retrospectiva de lo que fue bueno y como se va transformando conforme avanza la historia. Es una mezcla de dos tipos de cine como fue en su momento “Escenas de un matrimonio” de Bergman y con un tema que pocas veces se ha abordado con tanta mesura, sin que sea melodramático, que me recuerda mucho a la vieja película “Kramer contra Kramer” del año 1969”,José Felipe Coria.
Protagonistas:
Dirección: Noah Baumbach
Datos técnicos:
Género: Drama, legal, comedia, suspenso, musical
Duración: 136 minutos.
Locación: California (Warner Bros Studios), Nueva York.
PREMIOS:
• Premio Gotham a la Mejor Película
• Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la Mejor Actriz de Reparto (Laura Dern)
• Premio Gotham al Mejor Actor (Adam Driver)
• Premios Gotham: Premio de la Audiencia
• Premios Gotham Independent Film al Mejor Guión
• Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles al Mejor Guión
Curiosidades:
La cinta está basada en la experiencia del director, Noah Baumbach, quien se divorció de Jennifer Jason en 2013. De acuerdo con él, ella vio ya la película y le gustó.
El casting contribuyó al guión con sus experiencias. Tanto Johansson como Dern atravesaron por divorcios. Adam pasó por la separación de sus padres.
El personaje de Laura Dern (Nora) está basado en una abogada de Los Ángeles que las representó en sus respectivos divorcios.
Cuando Noah Baumbach le mostró el proyecto a Scarlett Johansson, ella atravesaba por su segundo divorcio.
Es la tercera película de Scarlett basada en la experiencia de un director tras un divorcio; las anteriores fueron Perdidos en Tokio (2003) de Sofia Coppola y Ella (2013) de Spike Jonze.
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